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Gustav Klimt.- Elementos morfológicos

En las obras de Gustav Klimt, se pueden apreciar varios (sino todos)  los elementos morfológicos que pueden componer una imagen.

Respecto al punto y la forma

En las obras más famosas de Gustav Klimt hay dos elementos compositivos bien diferenciados: la ornamentación, y el elemento humano (compuesto generalmente por mujeres). Pero, he aquí mis disyuntiva:

Se dice del punto que es el elemento morfológico que crea tensión. Aquel en el que nuestra atención recae continua e inconscientemente.

De la forma, que es aquella área del campo compositivo que es lo suficientemente grande para delimitarlo. Sirve para identificar algo que precisa su propio análisis. No es lo que más llama la atención, pero es complicado de analizar.

Los cuerpos de las mujeres, en las obras de Klimt, son claramente formas: delimitan el campo compositivo por sí mismas (gracias a ellas se distingue figura y fondo) y cada una precisa un análisis particular.

Pero como dije, hay dos elementos destacables: la ornamentación y la figura humana. Ambas llaman mi atención de igual manera.

Pensé en un principio que los objetos decorativos eran los únicos puntos. Mi vista iba continuamente de uno a otro punto, de una a otra flor, de uno a otro pez, estrella, rectángulo o círculo.

Destacan en la composición y están en distintos espacios pequeños de la misma.

Pero siempre volvía a mirar (de igual manera que inmediatamente recaía en los “puntos”), a la figura humana; sobre todo en aquellos casos en los que la cabeza de la mujer sobresale de una marea de pequeños dibujos.

 Por lo tanto, me atrevería a decir que en estos casos, la mujer (forma) y elementos decorativos, son los dos, puntos de la composición.

Retrato de Adele Bloch-Bauer, Gustav Klimt (1907) 

En otros casos en los que se distingue totalmente al cuerpo entero de la mujer del fondo, sí que consideraría que la forma es su cuerpo; y el punto, cada uno de los pequeños elementos ornamentativos que sobresalen de la composición.

 

detalle de la obra: Serpientes acuáticas II, Gustav Klimt (1904-1907)

 

La Línea

Gustav Klimt utiliza mucho la línea para dar sensación de movimiento. Concretamente de desliz o fluidez; debido al contenido sensual y sexual de sus obras.

Fish Blood, Gustav Klimt (1898)

 Las formas del cuerpo de las mujeres vienen delimitados por lineas curvas, trazadas con cierta soltura y suavidad, al igual que su pelo. Así se destaca su feminidad, su elegancia y su atractivo.

Los hombres de sus obras en cambio, están dibujados con líneas rígidas, las cuales insinúan lo rudo de su cuerpo.

 The Beethoven Frieze: Here´s a kiss for the world, Gustav K.

Ésto también es aplicable a los elementos decorativos que rodean a uno u otro personaje. En este cuadro de “El beso”:

El Beso, Gustav Klimt (1907-1908)

 Lo que cubre al hombre son distintos rectángulos que corresponden a lineas rígidas. La mujer en cambio se ve rodeada de círculos (lineas curvas, más agradables) que tienen flores dibujadas en su interior (feminidad).

 

En una serie de pinturas concreta (Serpientes acuáticas), compara a las mujeres con serpientes de mar.

Serpientes acuáticas II, Gustav klimt ( 1904-1907)

Y en otras obras, el cabello de las mismas está formado por pelo y serpientes (referencia a los movimientos hipnotizadores y traicioneros de estos animales; característica que, supongo, él aplicaba también a las mujeres).

Detalle de la obra: The Beethoven Frieze: The Hostil Powers, Gustav K.  (1902)

 

En algunos casos se aprecian lineas rígidas para los elementos decorativos que cubren a las mujeres, como en la vestimenta de la mujer en el retrato de Adele Bloch-Bauer. Esto es debido a que trata de transmitir sobriedad e importancia al personaje.

 

El Tono y la Textura

En las pinturas de Gustav Klimt, lo único que aparenta tener volumen es el elemento humano, por lo tanto es en el único en el que se aprecia el uso del elemento morfológico TONO. Y es la ausencia o uso del mismo el que da lugar a la textura.

Los cuerpos humanos, debido a su graduación tonal muestran:

En el caso de las mujeres: suavidad y tersura, colores carne y rosados (en esto influye también la falta de defectos físicos, manchas, etc.)

Detalle de la obra: Las tres edades de la mujer, Gustav K. (1905)

En el caso de los hombres: los tonos son marrones o grisáceos, llenos de manchas. Son más grotescos, al igual que pasa en Muerte y vida, con la parca, se percibe el duro hueso del que está hecha.

Muerte y vida, Gustav Klimt (1916)

 

El Color

El uso del color en las pinturas de Klimt es muy variado. Puede usar desde colores muy saturados y llamativos, a otros un poco menos.  

En el caso de Muerte y Vida (1916). Utiliza una dominante de tonos azules, para mostrar la tristeza y melancolía de todos los que se ven acechados por la figura de la muerte. 

Los adornos, en sus obras, suelen ser de varios colores y muy saturados, pretendiendo ser llamativos. Ese es el caso de obras como :

 

Hope, Gustav Klimt (1903)

También de El Beso(1907), El árbol de la vida (1909), etc.

En otras ocasiones se ven contaminados por dominantes grises como es el caso de Muerte y vida(1916) 

 

En la obra The beethoveen frieze :The hostil powers, Klimt mezcla a la perfección ambas visiones: mezcla colores saturados del lado izquierdo de la composición en los que hay chicas bonitas y coquetas

 y colores desaturados, tanto en la mujer triste y a punto de morir (su aspecto se encuentra muy deteriorado), como en los elementos que componen el fondo que la rodea.

También distingue hombres y mujeres por el color utilizado para su piel:

Los hombres tienen colores más tostados, tirando a marrón. Este color hace referencia a lo masculino, a lo severo.

Las mujeres poseen colores más claros, con zonas rosadas (esto hace referencia a su feminidad).

 

Hay retratos de mujeres reales, a las que dibujaba con predominio de colores suaves, azules o rosas como:

Retrato de Margaret Stonborugh-Wittgenstein, Gustav Klimt (1905)

Mäda Primavesi (madre del autor), Gustav Klimt (1912)

También hay otro en el que la mujer retratada, está provista de cierta fuerza. Está vestida de negro (elegante, misterioso), destacando así su pelo anaranjado( fuerte, vivo).

Hay que hacer especial mención al gusto de Klimt por el color dorado. Casi todas sus obras lo contienen.

Lo utiliza sobre todo para cubrir a las mujeres poderosas (también en sus accesorios si están desnudas) , o para rodear de ese color a los amantes. Supongo que es una manera de hacerlos destacar y de alguna manera idealizarlos y maravillarnos con la visión, igual que hacemos ante la normal presencia del oro.

Judith, con la cabeza Holofemes, Gustav Klimt (1901)

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